«Endgültige Form wird von der Architektin am Bau bestimmt.»

L’exposition s’inspire d’une œuvre d’architecture remarquable de Lisbeth Sachs (1914–2002), l’une des premières architectes femmes homologuées en Suisse et contemporaine de Bruno Giacometti, architecte du Pavillon suisse dans les Giardini. Cette proximité temporelle, et non spatiale, soulève une question : Et si Lisbeth Sachs, plutôt que Bruno Giacometti, avait conçu le Pavillon suisse? Impertinent, pourtant ces deux architectes ont conçu dans les années 1950 des bâtiments destinés à accueillir des œuvres d’art. Le pavillon créé par Giacometti pour la Biennale de Venise a été achevé en 1952, tandis que la Kunsthalle éphémère créée par Lisbeth Sachs à l’occasion de l’Exposition suisse du travail des femmes (Saffa), à Zurich en 1958, a été démolie et reléguée aux archives. Cet acte contemporain de (re)construction souligne l’absence frappante des femmes architectes dans les Giardini, les 29 pavillons nationaux ayant été signés par des hommes.

Une installation sonore in situ, composée d’enregistrements de terrain s’étalant sur un an et demi – allant des bruits de chantier aux conversations – révèle la richesse du projet et de son processus, tout en introduisant une autre dimension à son architecture : celle de l’écoute. Les voix d’hier et d’aujourd’hui se fondent en une « architecture résonnante », constituant une archive de sons qui donne vie à l’espace.

Ce projet est porté par les quatre architectes Elena Chiavi, Kathrin Füglister, Amy
Perkins, et Myriam Uzor, qui forment le groupe Annexe, ainsi que par l’artiste embarquée Axelle Stiefel. Annexe recourt à la fiction afin de faire revivre l’oeuvre de pionnières du design, engageant un dialogue avec celles qui nous ont précédées – une conversation autant qu’un apprentissage.

Et s’il en était allé autrement ?

La récupération de la Kunsthalle de Lisbeth Sachs et sa construction dans le présent évoquent la mémoire spatiale de femmes architectes moins connues. Lisbeth Sachs (1914 – 2002), l’une des premières femmes architectes diplômées de Suisse, était la contemporaine de Bruno Giacometti, auteur du Pavillon suisse dans les Giardini della Biennale di Venezia. La réinterprétation fragmentaire de ce pavillon particulier invite à un dialogue structural et symbolique : le béton est traduit en bois ; le système d’éclairage centralisé tel qu’il est dessiné sur le plan d’origine devient un vecteur de transmission acoustique — entre la génération de Sachs et la nôtre, mais aussi entre concepts architecturaux et artistiques. Alors que la lumière se transforme en son, la Kunsthalle bascule vers une autre dimension, dans un acte de constante adaptation. Une négociation est engagée autour de la préservation des deux structures superposées, qui ne pourraient être plus différentes dans leur langage formel. En injectant l’inconnu dans le connu, nous glissons dans l’étrange, sans autre justification que de nous demander ce qui est évident : Et s’il en était allé autrement ? Et pour nous de répondre : il faut le vivre pour le croire. Et parfois, il faut le construire pour le sentir.

La Kunsthalle de Lisbeth Sachs

Le dessin original réalisé par Lisbeth Sachs pour la Kunsthalle présente une approche distinctive de la forme, de la structure, du mouvement et du paysage. Conçue comme un pavillon temporaire pour l’Exposition suisse du travail des femmes à Zurich en 1958, elle a été démolie peu après la fin de l’exposition. Les objets exposés sur les murs radialement agencés étaient perçus de concert avec le paysage environnant : les toits en membrane translucide, tendus comme des parapluies autour des colonnes centrales, diffusaient la lumière du jour. Des poteaux, des murs et des anneaux travaillaient en harmonie pour stabiliser la structure ouverte, invitant à un mouvement intérieur fluide du parc au pavillon. Avec le va-et-vient des rideaux et des personnes, l’espace lui-même devenait une chorégraphie performante :

« Wandernd, schlendernd, auf geschwungener freier Spur ».
(« En marchant, en flânant, sur le tracé libre et sinueux ».)

Annexe est un groupe de femmes architectes valorisant et privilégiant une culture de la construction qui se fonde sur ce qui est déjà à disposition. 

Évoluant à l’interface de l’architecture et de la représentation artistique, Annexe part de l’existant pour ouvrir de nouvelles possibilités spatiales. Le groupe utilise la fiction comme un outil pour faire revivre le travail des pionnières du design, initiant une discussion nous permettant d’apprendre de celles qui sont venues avant nous. Annexe réalise ainsi un travail relationnel, reliant le passé au présent, et les ressources matérielles aux connaissances immatérielles. Le groupe offre un cadre pour l’expression de diverses formes de collaboration et pratiques architecturales féministes.

La « mise à l’écoute », pratique qui rend les choses publiques

Avec l’incorporation d’une installation sonore in situ, le Pavillon suisse est transformé en expérience multisensorielle. Le processus du projet a été documenté par des enregistrements de terrain capturant des conversations, des lieux, et la construction sur le chantier. Évoluant avec le temps et le mouvement, cette composition sonore vous invite à découvrir une « architecture résonnante », une mémoire spatiale immersive qui émerge et se confond avec les voix du passé et du présent. La nature non linéaire de l’installation ne relie pas seulement différents acteurs ; elle favorise également une compréhension de l’architecture qui transcende son rôle de simple structure spatiale pour devenir un corps résonnant, animé de sonorités. L’inachevé — ou plutôt, l’ouvert — est l’univers de la poésie, où les modes de pensée conventionnels sont mis en échec et où un nouvel espace peut être imaginé. Cet espace fictionnel nous invite à réfléchir à des questions importantes : comment vivre et construire aujourd’hui ? Quelle est notre relation avec la nature ? Comment nous percevons-nous en tant qu’individus et communautés ?

Into the spaceship, Granny

‘Me?’ she’ll say, just a trifle slyly. ‘But I never did anything’. ‘You ought to send one of those scientist men, they can talk to those funny-looking green people. Maybe Dr. Kissinger should go. What about sending the Shaman?’¹ – Ursula K. Le Guin

C’est un saut dans le vide. Car il n’y a pas d’explication à ce voyage : Entrer dans un monde parallèle. Se tracer un chemin à travers les circonstances les plus étranges. Mettez vos lunettes 4D. 

Imaginez : Ursula K. Le Guin invite l’humanité à se demander qui pourrait la représenter « justement » auprès des extraterrestres. Serait-ce celle qui a vécu le plus longtemps, se tenant au « bord du monde » – comme Grand-mère, avec toute son expérience de la vie ?

Imaginez encore : Après son voyage dans un autre monde, Grand-mère revient dématérialisée, portant un plan énigmatique sur lequel on peut lire : « Endgültige Form wird von der Architektin am Bau bestimmt. » (La forme définitive sera déterminée par l’architecte sur le chantier).

Les architectes du groupe Annexe reçoivent ce message et relèvent le défi de se lancer dans la recherche d’une forme définitive – une construction à l’intérieur du Pavillon suisse. L’éphémère Kunsthalle de Lisbeth Sachs pour l’Exposition suisse du travail des femmes (Saffa) de 1958 à Zurich inspire un geste architectural audacieux superposé au bâtiment de 1952 de Bruno Giacometti. Il s’agit d’une entreprise matérielle : le plan de Sachs est reflété, inversé et juxtaposé au plan de Giacometti. Ce renversement nous frappe de réalité, nous heurte la rétine. À l’origine de la modernité se trouve le renversement de l’imprimé et de la matrice.

La démarche de Sachs invite le parc dans l’espace d’exposition, annihilant la logique même du binaire – ne se contentant pas de brouiller les frontières, mais exposant leur artificialité. Ce geste architectural opère une révolution tranquille : là où il y avait une opposition (intérieur/extérieur, permanente/éphémère, présent/absent), il ne reste plus qu’un flux. La forme définitive existe précisément pour remettre en question sa propre existence – une assertion délibérée que l’architecture n’est jamais vraiment complète.

Nous nous embarquons pour un voyage turbulent sur les terrains instables des Giardini de la Biennale, un No Woman’s Land. La Kunsthalle devient le symbole de l’échec de la communication. Nous nous arrêtons pour revisiter un vieux problème : l’absence, la discontinuité, l’impermanence de la vie. Dans les fissures de la réalité et de l’histoire, la science-fiction nous propose une orientation pour entrer dans de nouveaux espaces et de nouvelles dimensions. (AS)

¹ Le Guin, Ursula, “The Space Crone (1976)”, in Dancing at the Edge of the World: Thoughts on Words, Women, Places, Grove Press (2017), p. 207.