Pavillon suisse à la 19e Exposition internationale d’architecture — La Biennale di Venezia: « Endgültige Form wird von der Architektin am Bau bestimmt. »

Dans le cadre de la contribution suisse à la 19e Exposition internationale d’architecture — La Biennale di Venezia, les curatrices interrogent : « Et si Lisbeth Sachs, plutôt que Bruno Giacometti, avait conçu le Pavillon suisse ? » 

Lisbeth Sachs (1914 – 2002), l’une des premières femmes architectes diplômées de Suisse, était la contemporaine de Bruno Giacometti, auteur du Pavillon suisse dans les Giardini della Biennale di Venezia. C’est dans ce même pavillon que les curatrices vont faire revivre la Kunsthalle éphémère créée par Lisbeth Sachs à l’occasion de la Saffa, l’Exposition suisse du travail des femmes à Zurich en 1958, dans un acte de construction qui pointe l’absence historique des femmes architectes dans les Giardini et évoque la mémoire spatiale d’œuvres architecturales moins connues.   

« Et s’il en était allé autrement ? — Nous abordons cette question comme une fiction productive. La juxtaposition du travail de Sachs et de Giacometti donne lieu à la coexistence de deux visions architecturales, encourageant le public à se pencher sur le besoin d’inclusivité dans le contexte de l’histoire et de la pratique contemporaine de l’architecture. Cette intervention est non seulement physique, mais aussi temporelle, et met en lien différents héritages architecturaux tout en éveillant le public à la perception d’une continuité.»

Les curatrices

L’approche architecturale de Lisbeth Sachs

Lisbeth Sachs abordait l’architecture avec respect et inclusivité, en tenant compte des ressources disponibles — à la fois le travail et les matériaux — ainsi que la nature. Elle était ainsi capable de créer des espaces qui encourageaient la participation, comme l’illustre le design de la Kunsthalle pour la Saffa à Zurich en 1958. Ce projet est un exemple remarquable d’architecture — une approche inclusive et innovante, même pour l’époque – qui a énormément inspiré l’exposition « Endgültige Form wird von der Architektin am Bau bestimmt. » Les curatrices transposent cette vision dans leur design pour le Pavillon suisse, créant une œuvre entièrement nouvelle, et pourtant, profondément ancrée dans son esprit :

« Au cours de nos recherches, un détail nous a vraiment frappées : un dessin sur lequel Sachs a écrit `Endgültige Form wird von der Architektin am Bau bestimmt.` (La forme définitive sera déterminée par l’architecte sur le chantier). Cette phrase a résonné si puissamment en nous qu’elle est devenue le titre de notre projet. Dans les années 1950 déjà, Lisbeth Sachs se revendiquait explicitement femme architecte, ce qui nous paraît extraordinaire dans le contexte de notre profession. Il s’agissait là d’un puissant message d’indépendance, et il nous a semblé essentiel de l’adopter et de nous l’approprier. » 

Architecture résonnante  

Dans le cadre de leur exposition, les curatrices envisagent la manière dont la vision de Sachs aurait pu influencer le design du Pavillon suisse aujourd’hui. Ce faisant, elles s’inspirent de l’approche de l’architecte pour créer une mémoire spatiale fragmentée et immersive, qui évoque à la fois les préoccupations esthétiques et éthiques de son époque et de la nôtre.  

La réinterprétation fragmentaire de ce pavillon particulier invite à un dialogue structural et symbolique : le béton est traduit en bois ; le système d’’éclairage centralisé tel qu’il est dessiné sur le plan d’origine devient un vecteur de transmission acoustique — entre la génération de Sachs et la nôtre, mais aussi entre concepts architecturaux et artistiques. 

« Nous voulons créer un espace qui stimule l’imagination du public, laissant des traces de notre processus sans fournir de réponses définitives. Il est essentiel pour nous de réintroduire les voix qui ont été oubliées du discours. Selon nous, l’architecture de demain doit être ouverte, expérientielle et inclusive, encourageant le public à réfléchir et à imaginer. », expliquent les curatrices. « C’est ce que nous espérons transmettre au travers de notre travail. Plutôt que d’offrir une réponse explicite, nous voulons laisser une trace mémorable qui reflète notre processus ouvert. Cette approche nous permet de réfléchir à nos modes de vie et de construction actuels, à la perception que nous avons de nous-mêmes en tant qu’individus et en tant que communautés, mais aussi à notre responsabilité dans l’architecture d’aujourd’hui. » 

Avec l’incorporation d’une installation sonore in situ, les curatrices transforment le pavillon en expérience multisensorielle. En reconstruisant des éléments du plan radial de Sachs et en y intégrant un système sonore, elles invitent le public à vivre le processus ouvert d’une « architecture résonnante », qui émerge lorsque les voix du passé et du présent convergent. Alors que la lumière se transforme en son, la Kunsthalle bascule vers une autre dimension, dans un acte de constante adaptation.  

Relier le passé et le présent : traces et souvenirs d’espaces vécus 

Les enregistrements de terrain capturant des conversations, des interactions, des paysages et des chantiers encouragent les visiteurs à explorer l’espace par l’écoute. Le son devient ainsi un outil d’immersion et de traduction, dévoilant des histoires cachées et permettant au public d’établir un lien profond et intime avec l’environnement bâti. La nature non linéaire de l’installation ne relie pas seulement différents acteurs ; elle favorise également une compréhension de l’architecture qui transcende son rôle de simple structure spatiale pour devenir un corps résonnant, animé de sonorités. 

« À travers les sons, les souvenirs et les histoires incorporés à l’exposition, le Pavillon suisse se transforme en un lieu de capacité d’action commune, cultivant une vision de l’architecture comme réceptacle de la mémoire collective », ajoutent les curatrices. « Cette expérience auditive révèle une dimension vibrante de l’architecture et du paysage : sentie et vécue, plutôt que simplement observée, transformant chaque personne en une participante active de l’exposition. L’inachevé — ou plutôt, l’ouvert — est l’univers de la poésie, où les modes de pensée conventionnels sont mis en échec et où un nouvel espace peut être imaginé. » 

Annexe

Annexe — Elena Chiavi, Kathrin Füglister, Amy Perkins, et Myriam Uzor — est un groupe d’architectes valorisant et privilégiant une culture de la construction qui se fonde sur ce qui est déjà à disposition. Évoluant à l’interface de l’architecture et de la représentation artistique, Annexe part de l’existant pour ouvrir de nouvelles possibilités spatiales. Le groupe utilise la fiction comme un outil pour faire revivre le travail des pionnières du design, initiant une discussion nous permettant d’apprendre de celles qui sont venues avant nous. Annexe réalise ainsi un travail relationnel, reliant le passé au présent, et les ressources matérielles aux connaissances immatérielles. Le groupe offre un cadre pour l’expression de diverses formes de collaboration et pratiques architecturales féministes. 

Pour leur projet «Endgültige Form wird von der Architektin am Bau bestimmt.», Annexe collabore avec l’artiste embarquée Axelle Stiefel. bestimmt.’