Schweizer Pavillon an der 19. Internationalen Architekturausstellung – La Biennale di Venezia: «Endgültige Form wird von der Architektin am Bau bestimmt.»

Im Schweizer Beitrag zur 19. Internationalen Architekturausstellung – La Biennale di Venezia fragen die Kuratorinnen: «Was wäre, wenn nicht Bruno Giacometti, sondern Lisbeth Sachs den Schweizer Pavillon entworfen hätte?»

Sachs (1914–2002) war eine der ersten eingetragenen Architektinnen der Schweiz und Zeitgenossin von Bruno Giacometti, der den Schweizer Pavillon in den Giardini della Biennale di Venezia entwarf. Absicht der Kuratorinnen ist es, die temporäre Kunsthalle, die von Lisbeth Sachs für die Schweizerische Ausstellung für Frauenarbeit (Saffa) 1958 in Zürich geschaffen wurde, im Schweizer Pavillon wieder aufleben zu lassen, und so auf die historische Abwesenheit von Architektinnen in den Giardini hinzuweisen sowie ein räumliches Gedächtnis für weniger bekannten Architekturen zu wecken.  

«Was wäre, wenn es anders gewesen wäre? – Wir nähern uns dieser Frage als produktive Fiktion. Die Gegenüberstellung von Sachs’ Werk mit demjenigen von Giacometti bringt zwei architektonische Visionen zusammen und lädt dazu ein, über die Notwendigkeit von Inklusivität in der Architekturgeschichte und in den heutigen Praktiken nachzudenken. Unsere Intervention ist nicht nur physisch, sondern auch zeitlich, verbindet sie doch architektonische Vermächtnisse und fordert die Wahrnehmung von Kontinuität heraus.»

Die Kuratorinnen

Der architektonische Ansatz von Lisbeth Sachs   
Lisbeth Sachs’ architektonischer Ansatz war zugleich respektvoll und inklusiv, wobei sie die verfügbaren Ressourcen — sowohl Arbeit und Material — ebenso berücksichtigte wie die Natur. Es gelang ihr, Räume zu schaffen, die zur Mitwirkung einladen, wie ihr Design für die Kunsthalle der Saffa in Zürich (1958) zeigt. Dieses Projekt ist ein bemerkenswertes Beispiel für Architektur — ein inklusiver und innovativer Ansatz, auch für die damalige Zeit — welches die Ausstellung «Endgültige Form wird von der Architektin am Bau bestimmt» stark inspiriert hat. Die Kuratorinnen tragen diese Vision in ihr Design für den Schweizer Pavillon und schaffen etwas völlig Neues, das jedoch tief in diesem Geist verwurzelt ist: 

«Bei unserer Recherche fiel uns ein Detail besonders auf: eine Zeichnung, auf der Sachs vermerkt hatte: “Endgültige Form wird von der Architektin am Bau bestimmt.” Dieser Satz hallte bei uns so stark nach, dass er zum Titel unseres Projekts wurde. Lisbeth Sachs bezeichnete sich selbst bereits in den 1950er Jahren explizit als weibliche Architektin — was wir in unserem Beruf als aussergewöhnliches Statement empfinden. Es war ein Zeichen starker Unabhängigkeit, das wir aufgreifen und uns zu Eigen machen wollten.»

Widerhallende Architektur
In der Ausstellung im Schweizer Pavillon beleuchten die Kuratorinnen, welchen Einfluss die Vision von Lisbeth Sachs auf den heutigen Ausdruck des Schweizer Pavillons hätte haben können. Ausgehend von Sachs’ Ansatz gestalten sie ein fragmentiertes, immersives Raumgedächtnis, das die ästhetischen und ethischen Anliegen sowohl ihrer Zeit als auch unserer Gegenwart wachruft.   

Die fragmentarische Neuinterpretation dieses besonderen Pavillons eröffnet einen strukturellen und symbolischen Dialog: Beton wird in Holz übersetzt; das zentrale Beleuchtungssystem der Originalpläne wird zum Vehikel der akustischen Übertragung — zwischen Sachs’ Generation und heute, aber auch zwischen architektonischen und künstlerischen Konzepten. 

Mit der Eingliederung einer ortsspezifischen Klanginstallation transformieren die Kuratorinnen den Pavillon in einen multisensorischen Erfahrungsraum.  

Durch die Rekonstruktion von Elementen des radialen Grundrisses von Sachs und die Einbindung auditiver Komponenten schaffen die Kuratorinnen einen Raum, der die Besuchenden einlädt, den offenen Prozess einer «widerhallenden Architektur» zu erleben — eine Architektur, die entsteht, wenn vergangene und gegenwärtige Stimmen konvergieren. Wenn Licht in Klang umschlägt, kippt die Kunsthalle in einem Akt der ständigen Feinabstimmung in eine andere Dimension. 

«Wir möchten einen Raum schaffen, der die Fantasie der Besuchenden anregt und Spuren unseres Prozesses zeigt, ohne endgültige Antworten zu geben. Für uns ist es zentral, Stimmen, die in Vergessenheit geraten sind, in den breiteren Diskurs zurückzubringen. Eine Architektur der Zukunft muss unserer Meinung nach offen, erfahrbar und inklusiv sein — sie regt zum Denken und Vorstellen an», so die Kuratorinnen.

«Das möchten wir mit unserer Arbeit vermitteln. Wir geben keine konkrete Antwort, sondern wollen eine bleibende Spur hinterlassen, die unseren offenen Prozess widerspiegelt. Dieser Ansatz erlaubt es uns, darüber nachzudenken, wie wir heute leben und bauen, wie wir uns als Individuen und Gemeinschaften sehen und welche Verantwortung wir bei der Gestaltung der Architektur in der Gegenwart haben.» 

Vergangenheit mit der Gegenwart verbinden: Spuren und Aufnahmen gelebter Räume 
Field recordings aus Gesprächen, Interaktionen, Landschaften und Bauarbeiten laden die Besuchenden ein, sich durch aktives Gehen und Zuhören durch den Ort zu bewegen. Klänge enthüllen verborgene Geschichten, die es dem Publikum ermöglichen, sich tiefgehend und intim auf die gebaute Umgebung einzulassen. Die nicht-lineare Natur der Installation verbindet nicht nur verschiedene Akteurinnen und Akteure; sie fördert auch ein Architekturverständnis, das über die Rolle einer bloss räumlichen Struktur hinausgeht — sie wird zu einem Resonanzkörper, der mit Klang erfüllt ist. 

«Durch die in die Ausstellung eingebetteten Klänge, Erinnerungen und Geschichten verwandelt sich der Schweizer Pavillon in einen Ort der gemeinsamen Teilhabe und propagiert eine Sicht von Architektur als Gefäss für kollektive Erinnerung», erläutern die Kuratorinnen.

«Diese auditive Erfahrung offenbart eine pulsierende Dimension von Architektur und Landschaft, die nicht nur betrachtet, sondern gefühlt und erlebt wird, wodurch Zuhörende gleichzeitig auch zu Mitwirkenden der Ausstellung werden. Das Unvollendete — oder besser gesagt das offene Ende — gehört in den Bereich des Poetischen, in dem konventionelle Denkweisen ausser Kraft gesetzt werden und ein neuer Raum erdacht werden kann.» 

Annexe
Annexe — Elena Chiavi, Kathrin Füglister, Amy Perkins, und Myriam Uzor — ist eine Gruppe von Architektinnen, die für eine Kultur des Bauens steht, die von dem ausgeht, was bereits vorhanden ist. An der Schnittstelle zwischen Architektur und Performance setzt Annexe am Bestehenden an und eröffnet neue räumliche Möglichkeiten. Die Gruppe nutzt die Fiktion als Mittel, um die Arbeit von Designpionierinnen um Leben zu erwecken und in einen lernenden Dialog mit denjenigen zu treten, die vor uns gelebt haben. Die Arbeit von Annexe basiert auf Beziehungen, sie verbindet die Vergangenheit mit der Gegenwart und materielle Ressourcen mit immateriellem Wissen. Die Gruppe bietet ein Vehikel, um Formen der Zusammenarbeit und feministische Baupraktiken zu ermöglichen. 

Für das Projekt «Endgültige Form wird von der Architektin am Bau bestimmt.» arbeitet Annexe mit der «eingebetteten Künstlerin» Axelle Stiefel.